Albrecht Dürer wurde in eine große Familie eines Juweliers hineingeboren, er hatte siebzehn Brüder und Schwestern. Im 15. Jahrhundert galt der Beruf eines Juweliers als sehr respektvoll, daher versuchte der Vater, seinen Kindern das Handwerk beizubringen, mit dem er beschäftigt war. Albrechts Talent für Kunst zeigte sich jedoch schon früh im Leben, und sein Vater riet ihn nicht ab, im Gegenteil, als er 15 Jahre alt war, schickte er seinen Sohn an den berühmten Nürnberger Meister Michael Volgemut. Nach 4 Jahren Ausbildung beim Meister ging Dürer auf Reisen und malte gleichzeitig sein erstes eigenständiges Gemälde „Porträt des Vaters“. Während der Reise vertiefte er seine Fähigkeiten mit verschiedenen Handwerkern in verschiedenen Städten. Erwägen die berühmtesten Gemälde von Albrecht Dürervon der internationalen Gemeinschaft anerkannt.
10. Selbstporträt mit Stechpalme
Selbstporträt mit Stechpalme. Dieses Gemälde von Dürer wurde sowohl bei den Zeitgenossen des Künstlers als auch bei den zeitgenössischen Kritikern der Malerei vielfach verurteilt. Die Sache ist in der Pose, in der der Autor sich selbst gemalt hat und die verborgene Botschaft durch die Details übertragen wird. Zur Zeit des Künstlers konnten in vollem Gesicht oder in der Nähe davon nur Heilige gezeichnet werden. Die Stechpalme in der Hand des Künstlers sendet eine Botschaft an die Dornenkrone, die bei der Kreuzigung auf das Haupt Christi gelegt wurde. Die Inschrift im oberen Teil der Leinwand lautet: "Meine Taten werden von oben bestimmt". Dies ist ein Hinweis auf die Hingabe des Autors an Gott und dass alle seine Errungenschaften in dieser Phase seines Lebens mit dem Segen des Herrn verbunden sind. Dieses im Louvre gespeicherte Bild hat bestimmte Veränderungen in der menschlichen Weltanschauung hervorgerufen.
9. Selbstporträt von Dürer im Erwachsenenalter
Selbstporträt von Dürer im Erwachsenenalter. Mit zunehmendem Alter ging Dürer noch weiter, um seine Erfahrungen auf Leinwand zu reflektieren. Für diese Unverschämtheit kritisierten Zeitgenossen den Künstler brutal. Auf diese Leinwand malte er sein Selbstporträt in vollem Gesicht. Noch mehr anerkannte Zeitgenossen konnten sich eine solche Unverschämtheit nicht leisten. Im Porträt schaut der Autor streng vor sich und hält seine Hand in der Mitte der Brust, was für die Reflexionen Christi charakteristisch ist. Die Unglücklichen fanden in Dürers Gemälde alle Ähnlichkeiten und machten ihm Vorwürfe, er habe sich mit Christus verglichen. Wenn man sich das Bild ansieht, kann jemand den Kritikern zustimmen und jemand kann etwas mehr sehen. Es gibt keine Objekte, die im Bild Aufmerksamkeit erregen, wodurch sich der Betrachter auf das Bild einer Person konzentriert. Diejenigen, die das Bild gesehen haben, betrachten die Bandbreite der Gefühle im Gesicht und im Bild der abgebildeten Person.
8. Porträt eines Venezianers
Porträt eines Venezianers. Das 1505 gemalte Porträt gilt als venezianisch gerichtetes Werk Dürers. In dieser Zeit verbrachte er das zweite Mal in Venedig und vertiefte seine Fähigkeiten bei Giovanni Bellini, mit dem er schließlich befreundet war. Wer auf dem Porträt abgebildet ist, ist nicht bekannt, einige vermuten, dass es sich um eine venezianische Kurtisane handelt. Da es keine Informationen über die Ehe des Künstlers gibt, gibt es keine anderen Versionen über die Person der Person, die posiert hat. Das Gemälde befindet sich im Wiener Museum für Kunst und Geschichte.
7. Martyrium von zehntausend Christen
Martyrium von zehntausend Christen. Das Gemälde wurde vom Schutzpatron von Dürer für die Allerheiligenkirche in Wittenberg in Auftrag gegeben. Aufgrund der Anwesenheit der Reliquien einiger Märtyrer dieser zehntausend in der Kirche. Eine religiöse Geschichte, die vielen Gläubigen über das Schlagen christlicher Soldaten auf dem Berg Ararat bekannt ist, spiegelt sich in allen Details wider. In der Mitte der Komposition malte sich der Autor mit einer Flagge, auf die er die Zeit des Schreibens und den Autor des Bildes schrieb. Neben ihm steht der Freund von Dürer, der Humanist Conrad Celtis, der vor dem Ende des Gemäldes starb.
6. Fest des Rosenkranzes
Der Urlaub ist klar. Dürers bekanntestes Gemälde wurde für die Kirche San Bartholomäus in Italien gemalt. Der Künstler hat dieses Bild mehrere Jahre lang gemalt. Das Bild ist mit hellen Farben gesättigt, da ein solcher Trend zu dieser Zeit populär wurde. Das Gemälde wurde nach der darin reflektierten Handlung Dominikanermönche benannt, die den Rosenkranz in ihren Gebeten verwendeten. In der Mitte des Bildes befindet sich die Jungfrau Maria mit dem Christuskind im Arm. Umgeben von Gläubigen, darunter Papst Julian der Zweite und Kaiser Maximilian der Erste. Baby - Jesus verteilt Kränze aus Rosen an alle. Dominikanermönche verwendeten Perlen in streng weißen und roten Farben. Die Weißen symbolisieren die Freude der Jungfrau, das rote Blut Christi bei der Kreuzigung.
5. Hände des Gebets
Hände des Gebets. Ein weiteres sehr berühmtes Gemälde von Dürer wurde mehrfach kopiert und auf Postkarten, Briefmarken und sogar Münzen gedruckt. Die Geschichte des Bildes ist in seiner Symbolik auffällig. Die Leinwand zeigt nicht nur die Hand eines frommen Mannes, sondern auch seinen Bruder Dürer. Als Kind einigten sich die Brüder darauf, abwechselnd zu malen, da Ruhm und Reichtum aus diesem Handwerk nicht sofort kamen und nicht jeder, musste einer der Brüder die Existenz des anderen sicherstellen. Albrecht war der erste, der das Bild aufnahm, und als sein Bruder an der Reihe war, hatten seine Hände bereits die Angewohnheit des Malens verloren, er konnte nicht schreiben. Aber Albrechts Bruder war ein frommer und bescheidener Mann, er war nicht verärgert über seinen Bruder. Diese Hände spiegeln sich im Bild wider.
4. Porträt von Maximilian I.
Porträt von Maximilian I. Dürer stellte seinen Schutzpatron mehrmals auf verschiedenen Gemälden dar, aber das Porträt von Maximilian dem Ersten wurde zu einem der weltberühmten Gemälde. Der Kaiser wird dargestellt, wie es sich für die Monarchen gehört, reiche Gewänder, ein arroganter Blick, das Bild bläst Arroganz. Wie in anderen Gemälden des Künstlers gibt es eine Art Symbol. Der Kaiser hält eine Granate in der Hand, ein Symbol für Fülle und Unsterblichkeit. Ein Hinweis darauf, dass er es ist, der den Menschen Wohlstand und Fruchtbarkeit verschafft. Die auf dem geschälten Granatapfel sichtbaren Körner sind ein Symbol für die Vielseitigkeit der Persönlichkeit des Kaisers.
3. Ritter, Tod und der Teufel
Ritter, Tod und der Teufel. Dieser Stich von Dürer symbolisiert den Lebensweg eines Menschen. Ein Ritter in Rüstung ist ein Mann, der durch seinen Glauben vor Versuchungen geschützt ist. Ein nahe gelegener Tod wird mit einer Sanduhr in der Hand dargestellt, die das Ergebnis am Ende der zugewiesenen Zeit anzeigt. Der Teufel geht hinter den Ritter, der als eine Art elendes Wesen dargestellt wird, aber bei der geringsten Gelegenheit bereit ist, ihn anzugreifen. Es kommt alles auf den ewigen Kampf zwischen Gut und Böse an, Stärke vor Versuchungen.
2. Die vier apokalyptischen Reiter
Die vier apokalyptischen Reiter. Dürers berühmtester Stich seiner 15 Werke zum Thema der biblischen Apokalypse. Die vier Reiter sind Sieger, Krieg, Hunger und Tod. Die Hölle, die ihnen auf der Gravur folgt, wird als Tier mit offenem Mund dargestellt. Wie in der Legende eilen die Reiter herum und fegen alle Armen und Reichen sowie die Könige und einfachen Leute auf ihrem Weg weg. Ein Hinweis auf das, was jeder verdient, und jeder wird für Sünden antworten.
1. Anbetung der Könige
Anbetung der Könige. Das Gemälde wurde während der Rückkehr von Dürer aus Italien gemalt. Auf dem Bild verflechten sich die deutsche Liebe zum Detail und die Farbenpracht, die für die italienische Renaissance charakteristische Farbenhelligkeit. Die Aufmerksamkeit auf Linien, mechanische Feinheiten und Kleinigkeiten verweist auf die Skizzenarbeiten von Leonardo Da Vinci. In diesem weltberühmten Bild wird die Szene in biblischen Legenden ausführlich beschrieben und in Farben auf die Leinwand übertragen. Es entsteht der Eindruck, dass genau dies geschehen ist.